Historias del Blues

Historias del Blues, podcast 28 de enero de 2012

Diego Luis — Sun, 29 Jan 2012 04:13:04 +0000

WILLIE DIXON: Él es el blues. Recordamos al compositor más importante del blues al cumplirse 20 años de su muerte. De su pluma salieron clásicos como “Hoochie Coochie Man” o “Back Door Man” entre otros.

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Toronzo Cannon – Leaving Mood (Delmark Records, 2011)

Diego Luis — Fri, 27 Jan 2012 11:30:59 +0000

El guitarrista Toronzo Cannon debuta en las grandes ligas del blues de Chicago con el tradicional sello Delmark, al lado de su banda Cannonball Express y con la participación de dos pesos pesados: el guitarrista Carl Weathesby y el armonicista Matthew Skoller.
En un conjunto de 14 canciones, de las cuales Cannon y el guitarrista Lawrence Gladney escribieron doce, Toronzo se abre paso a un nuevo nivel en la Meca del blues, ascendiendo un escaño más en su larga carrera musical que empezó en 1997, en la banda del cantante Tommy McCracken. Encontramos en sus interpretaciones mucho del blues clásico de Chicago, algo de blues rock, funk y soul, estilos con los cuales creció, inspirado por la atmósfera del Theresa’s Lounge, el mítico sitio del lado sur de Chicago donde se formaron Buddy Guy, Junior Wells y otros famosos.
“She Loved Me”, canción que abre el disco con un sonido lleno de la influencia de Muddy Waters, busca internarse en la forma de pensar de un hombre en prisión que semanalmente es visitado por su mujer, la manera en que la ama en medio de la “soledad” que ofrece una cárcel.
Otro tema interesante es “Open Letter (To Whom It May Concern)”, dedicado a la gente del blues que maneja los negocios de forma tal que no le importa pasar por encima de los otros, dejando a un lado lo que es la esencia de la música.
Con algunos toques de Jimi Hendrix encontramos “Leaving Mood”, canción que da título al disco, en un ejemplo determinante de la forma en que Toronzo Cannon se expresa, alejándose de los moldes tradicionales en que el blues se escribe.
También hay algo de tiempo para la diversión y Cannon lo pone de manifiesto en temas como “I Can’t Take Her Nowhere”, “Do I Move You?” de Nina Simone y “Earnestine”, tema que no se debe confundir con el tradicional que alguna vez cantó Koko Taylor.
Toronzo Cannon nació en 1968, en una familia en la que el blues era un motivo de reunión. Los fines de semana acudían a casa de su abuelo y junto con él y sus tíos se sentaban en torno a la gran colección de discos para escucharlos y contar anécdotas, las cuales fueron desarrollando en Cannon ese gusto por la música.
En 2007 publicó su primer disco de forma independiente, en el que mostró ya un gran desarrollo musical, tanto en la interpretación de la guitarra como en su voz y las letras, cuyas temáticas surgen de la vida diaria, de lo que Cannon ve constantemente en la ciudad gracias a su trabajo como conductor de bus en The Chicago Transit Authority. Siempre lleva a mano una libreta y toma notas durante las pausas que le ofrecen los semáforos en rojo.
Toronzo Cannon está dejando su propio sello en el blues contemporáneo con su música, la cual busca abarcar un amplio espectro de temas y de emociones para sus seguidores.

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Sharon Lewis & Texas Fire – The Real Deal (Delmark Records, 2011)

Diego Luis — Fri, 27 Jan 2012 11:20:19 +0000

Sharon Lewis es una de las cantantes más talentosas con que cuenta Chicago en la actualidad. Radicada desde mediados de la década de 1970 en la ciudad de los vientos, se ha forjado un nombre a base de una constante lucha sobre los escenarios, tanto del blues como de la vida. Por eso es que ella se enfrenta seriamente con cualquier persona que trate de insinuar que ella no es una cantante de blues, aunque de buena forma le cuenta su vida y dice que si sus canciones salen del corazón, entonces son reales y eso es el sentido del blues o por lo menos del blues de Sharon Lewis: luchar para superar los problemas y sobrevivir, vivir en el mundo real.
En su debut para el sello Delmark, Lewis nos ofrece 13 temas de los cuales ocho son originales, en los cuales nos muestra ese recorrido musical que ha tenido, desde el góspel hasta el soul-blues, con una influencia bien particular de Tina Turner y de Patty Scott, la mujer que definitivamente la marcó y la hizo dejar los derroteros eclesiásticos. En cuanto a las versiones, las canciones son muy bien seleccionadas, todas con ese mismo estilo de mensaje de supervivencia, como el caso de “Crazy Love de Van Morrison o “Please Mr. Jailer” de Wynona Carr, ambas como historias urgentes para contar, que se han quedado contando realidades que parece se han quedado detenidas en el tiempo.
Con este disco, Sharon Lewis se muestra como la verdadera apuesta, el blues real que se lleva en el corazón.

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Varios artistas – Classic Appalachian Blues (Smithsonian Folkways Recordings, 2010)

Diego Luis — Fri, 27 Jan 2012 11:10:33 +0000

El blues hecho en los montes Apalaches, cadena montañosa que cruza a lo largo de 13 estados de la unión americana, desde Nueva York hasta Mississippi, sirvió para que en esta región se incubaran muchos tipos de blues, como vodevil, piano, boogie, las bandas de cuerdas, el down-home con guitarra y armónica y el ragtime entre otros.
En esta zona se desarrolló el blues debido a la atracción que los centros urbanos causaron en la población negra. Así mismo la construcción del ferrocarril y las minas de carbón atrajeron a buen número de trabajadores afrodescendientes, algunos de ellos músicos profesionales que se establecieron en sitios como Knoxville, Birmingham o Chattanooga. Varios de estos músicos no tuvieron la oportunidad de grabar, ya que las compañías disqueras de la época no enviaban a sus cazatalentos hasta lugares tan remotos con el fin de ahorrar dinero. Sin embargo, entre 1927 y 1930 se dieron una serie de sesiones que permitieron el descubrimiento de la rica tradición musical de los Apalaches.
Durante las décadas de 1940 y 1950, la zona vivió también una migración de su población hacia el norte en busca de nuevas oportunidades laborales. Nueva York fue el imán musical para estas comunidades, así como lo fue Chicago para los artistas del Delta y del profundo sur, dado el interés de varios sellos por documentar las tradiciones musicales, pues tenían una misión más etnomusicóloga que comercial.
Aunque en los Apalaches se tocaba el piano, los instrumentos más utilizados eran la guitarra y la armónica, convirtiéndose la unión de estos dos en la forma más común de esta tradición, recordando ahora a exponentes como Sonny Terry y Brownie McGhee o John Cephas y Phil Wiggins. Aunque en cada región había un estilo diferente para interpretar la guitarra, todos se caracterizaron por utilizar la técnica del punteo. Hubo preferencia por el ragtime y por canciones que servían para amenizar fiestas y bailes. La instrumentación era, entonces, mucho más melódica que la del Delta Blues. A esto podemos sumar que a la técnica del llamado-respuesta, característica de la música negra, no se le hizo mucho énfasis en los Apalaches, tendiendo más a las interpretaciones rápidas, dejando más espacio para el llamado y menos para la respuesta.
La parte vocal no era tan intensa como en el Delta, a excepción de Gary Davis, dada su formación como músico callejero y luego como predicador en la iglesia. La interacción entre razas pudo llevar a este tipo de canto, ya que en estos lugares las fronteras entre blancos y negros eran mucho más cercanas y en ocasiones se hacían presentaciones para audiencias mixtas.
Los cercanos lazos entre blancos y negros, que mencionamos en el bloque anterior, son palpables en la tradición de las bandas de cuerdas. El blues no desplazó a las otras formas musicales que existían en los Apalaches. Por el contrario, se convirtió en una más de ellas, siendo interpretada en fiestas y bailes. La transición del banjo y el violín a la guitarra y la armónica se hizo lentamente en las montañas, contrario a lo que ocurrió en el profundo sur. De hecho el banjo continuó siendo importante después de la llegada del blues, siendo el primer instrumento que interpretaba un músico antes de convertirse en guitarrista. Aunque la tradición de las bandas de cuerdas persiste aún, muchas de las agrupaciones clásicas se separaron y sus integrantes decidieron continuar su carrera en dúos de guitarra y armónica en el estilo down-home blues.
Muchas evidencias sugieren que el blues en los Apalaches se originó después de instalarse en las entrañas del profundo sur. Apareció debido a la llegada de músicos itinerantes, que buscaban trabajo en las minas o en las construcciones de caminos y vías del ferrocarril y se encargaban de entretener a sus compañeros durante su tiempo libre. También están los artistas que aparecían en los días de pago, los músicos de los shows de medicina y los que estaban asociados con las obras minstrel. Otra parte del establecimiento del blues en los Apalaches se debe a los músicos callejeros, a los que cantaban en las esquinas de los pueblos o en una fiesta y luego se iban a otro sitio. En algún momento las tradiciones se cruzaron, generando esos múltiples estilos.
Otra fuente importante para que el blues se quedara en la zona fue el fonógrafo. Muchos de los exponentes del blues de los Apalaches aprendieron a interpretarlo luego de escuchar los discos que llegaban a las tiendas de sus pueblos. A ellos no les importaba realmente si el artista de la grabación era blanco o negro. Simplemente escuchaban las canciones, las aprendían y luego hacían los ajustes. De ahí la variedad estilística.
El blues en los Apalaches ayudó mucho más a la integración que en el profundo sur o en estados como Texas. Sus artistas tenían un repertorio que satisfacía tanto a la audiencia blanca como a la negra y algunos grupos tenían músicos blancos y negros. Todo esto, probablemente, porque ambas tradiciones eran mucho más cercanas en esa zona. De esta forma la música cruzaba fronteras raciales, haciendo que blancos y negros compartieran un campo común, el punto de encuentro entre los valores musicales europeos y africanos.

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Historias del Blues en radio, 28 y 29 de enero de 2012

Diego Luis — Fri, 27 Jan 2012 11:00:29 +0000

Fin de semana de homenaje y concierto. El sábado recordaremos a Willie Dixon, el más prolífico compositor de blues, al cumplirse 20 años de su muerte. El domingo, un programa más de la serie “Blues vivo”, toda la energía del blues en concierto, con el guitarrista Tommy Castro como invitado especial.
Historias del Blues se emite sábados y domingos a las 5 p.m. (-5 UTC) por Javeriana Estéreo, 91.9 FM en Bogotá, con audio en vivo en internet a través de su sitio web.
A continuación el listado de temas:
Sábado 28 de enero
“Big 3 Stomp” Willie Dixon
“I Ain’t Gonna Be Your Monkey Man” Willie Dixon
“It’s All Over Now” Willie Dixon
“If The Sea Was Whiskey” Willie Dixon
“O.C. Bounce” Willie Dixon
“Money Tree Blues” Willie Dixon
“Back Door Man” Willie Dixon
“I Can’t Quit You Baby” Willie Dixon
“The Seventh Son” Willie Dixon
“Spoonful” Willie Dixon
“I Ain’t Superstitious” Willie Dixon
“I’m Your Hoochie Coochie Man” Willie Dixon
“Little Red Rooster” Willie Dixon
Domingo 29 de enero
“Wake Up Call” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“It’s A Shame” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“Never Say Never” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“My Next Ex-Wife” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“Fog” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“Painkiller” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“Think” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“This Time I Know” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“All I Found” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)
“Serves Me Right To Suffer” Tommy Castro (The Legendary Rhtyhm & Blues Revue: Live!, 2011)

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