Los mejores discos de 2016 (1)

Fue muy difícil hacer la selección de los mejores discos publicados el año pasado. Sin embargo he hecho una lista con los 30 álbumes que a mi juicio se destacaron en 2016. Aclaro que no se encuentran en ningún orden. Aquí la primera de cinco entregas.

“Take Me Back”, álbum de Sam Frazier Jr., tardó 45 años en ser presentado al público. Gracias a un invaluable esfuerzo de Music Maker Relief Roundation, hoy podemos tener acceso a esas grabaciones realizadas entre 1969 y 1971 en el estudio Sound Of Birmingham, propiedad de Neal Hemphill, un lugar que tiene historia pues buena parte del equipo usado allí estuvo instalado en los famosos estudios Electric Ladyland de Jimi Hendrix. Como suele ocurrir con muchos de estos registros, nunca fueron lanzados debido a que los estudios fueron cambiando de propietarios y el trabajo se fue archivando, sin embargo había datos del paso de Frazier Jr. por allí pero las cintas estaban extraviadas. Music Maker, en su labor de apoyo a cantantes ya maduros, incorporó a Sam Frazier Jr. y supo de esas grabaciones. Su productor Ardie Dean se puso a la tarea de buscar las cintas, las cuales encontró en Chicago en un estado de conservación bastante lamentable, por lo que el trabajo de reparación y digitalización fue muy cuidadoso para poder preservar esta obra de Frazier Jr., con una voz y una sonido de armónica muy particulares sobre unos arreglos de de orquesta, vientos y coros. Sam Frazier Jr. nació en Edgewater, Alabama, una población que se dedica a la extracción de carbón. Su padre era minero y su madre administraba un pequeño bar, por el cual pasaron grandes músicos como Jimmy Reed y Sonny Boy Williamson, quien le obsequió a Sam su primera armónica. Desde ahí comenzó su dedicación a la música en la que se destacó como intérprete y compositor. Grabó algunos sencillos para el sello Goodie Train y en la década de 1980 se trasladó a Los Ángeles. Gracias a Music Maker, que trajo de vuelta estas grabaciones de Sam Frazier Jr., la carrera de este cantante tiene un renacimiento.

Roland Tchakounte nació en Camerún y en su nuevo disco “Nguémé & Smiling Blues” cruza el puente que une al blues con África. Como en sus cinco producciones anteriores, en este álbum Tchakounte usa su lengua madre, bamiléké, para contar la manera en la que su vida cambió cuando escuchó por primera vez a John Lee Hooker. “Fue una revelación, pensé que era un músico africano que había cambiado su nombre. Su espontaneidad, su aparente falta de estructura, el fuego y la energía cruda más la honestidad que yo escuché fueron los elementos que me hicieron enfocar el camino de mi música”. La palabra Nguémé, que bautiza a esta producción, significa sufrimiento y todas las letras apuntan a dar aliento a las personas oprimidas para levantar la cabeza y salir adelante, con la fe puesta en el espíritu catártico del blues que juega con el dolor y la tristeza como una forma de trascenderlas. Son 13 composiciones originales que no se dedican exclusivamente a la tristeza y el amor no correspondido. También son una celebración a esos momentos que dan sentido a la vida y, en general, son una alabanza a África de una forma que en pocas ocasiones ha sido realizada por los occidentales. Roland visualiza a “Nguémé & Smiling Blues” en un camino energético y positivo, gracias a su toque original y a esa voz poderosa que, al mejor estilo de Taj Mahal, lo convierte en uno de los creadores que ha tenido éxito al tender un puente entre África y forma más intensa del arte afronorteamericano, el blues.

Con solo 19 años de edad, la cantante Ina Forsman es la estrella ascendente en la escena blues de Finlandia. A los 6 años de edad tomó la decisión de ser cantante y a los 17 años sorprendió a todo el país con una sentida interpretación del clásico de Etta James “All I Could Do Is Cry”, en la final del programa de televisión Idols. Este año llega con su disco debut bajo su mismo nombre. “Ina Forsman” es un álbum real, crudo, escrito con el corazón e interpretado con el alma. Por su parte, Ina Forsman es una cantante enigmática, honesta y apasionada, que se encargó de escribir 10 canciones del disco y añadió una excelente versión de “I Want A Little Sugar In My Bowl”. Lo primero que golpea en esta producción es la sorprendente voz, el arma principal de Ina que se amolda bien al acompañamiento de piano y vientos. Las canciones son una expresión muy personal, hablan de una artista que vive y respira blues. Muchos álbumes de blues tienen como protagonista a la guitarra pero el debut de Ina Forsman es un homenaje al clásico soul-blues que era conducido por las bandas de vientos. “Ina Forsman” fue grabado en Estados Unidos, con una banda que incluyó a Laura Chavez y Derek O’Brien en las guitarras, Nick Connolly en los teclados, Russell Jackson en el bajo, Tommy Taylor en la batería, el intérprete de armónica Helge Tallqvist –quien fue mentor de Forsman– y los vientos de The Texas Horns. Aunque la cantante prefiere ignorar las predicciones, este disco debut marca un punto altísimo en su carrera, deparándole un futuro bastante prometedor.

The Corey Dennison Blues Band debutó en Chicago a comienzos de 2013, creando mucha conmoción en espacios como Buddy Guy’s Legendes, Rosa’s Lounge o Leroy’s Hot Stuff. A finales de ese año Corey Dennison publicó un disco llamado “Live In Chicago” con el que llamó la atención de muchos más fanáticos del blues en la ciudad. Dennison nació en Tennessee pero buena parte de su infancia se la pasó moviendo entre ese estado y el de Georgia. Descubrió el poder del blues a través de la radio y a los seis años de edad le regalaron una guitarra, con la que se propuso imitar los sonidos de Gatemouth Brown, Albert Collins y Albert King entre otros, conectándose de inmediato con la música, a lo cual ayudaron también las canciones de Wilson Pickett, Curtis Mayfield y Sam Cooke. Gracias a su tío, que lo llevaba a los clubes de la zona a ver y escuchar a Albert King o Junior Wells, por decir un par de nombres importantes, fue que Corey Dennison tomó la decisión definitiva de trasegar por el camino de la música. Durante 12 años fue músico de la banda del guitarrista Carl Weathersby, quien se convirtió en una especie de mentor, mostrándole la realidad del trabajo musical, sus dificultades y sus alegrías. Ahora toda esa experiencia adquirida deja una impronta grande en el trabajo de Corey Dennison quien con su debut con el importante sello Delmark empieza a pisar fuerte en el difícil mundo del blues de Chicago.

En 1977, la NASA envió al espacio la nave Voyager 1 en un viaje hacia lo más lejano del espacio exterior. Con la esperanza de que algún día otra forma de vida tuviera contacto con la nave, se introdujeron algunos elementos para que esos seres conocieran algo de la humanidad, dentro de esos objetos se halla un disco de oro con algunas grabaciones como el latido del corazón, música de Beethoven, Bach y la canción “Dark Was The Night, Cold Was The Ground” de Blind Willie Johnson. Este año Alligator Records publicó “God Don’t Never Change: The Songs Of Blind Willie Johnson”, once canciones que recogen la herencia de este virtuoso del slide y de la voz, en versiones interpretadas por Tom Waits, Lucinda Williams, Dereck Trucks y Susan Tedeschi, Cowboy Junkies, The Blind Boys Of Alabama, Sinéad O’Connor, Luther Dickinson con The Rising Star Fife & Drum Band, Maria McKee y Rickie Lee Jones. Blind Willie Johnson grabó 30 temas entre 1927 y 1930, dejando un valioso legado, una música que mezclaba el fervor crudo del góspel con una guitarra llena de fuego. Sus canciones eran tradicionales o venían de los himnos cantados en las iglesias, pero cuando eran interpretadas por Johnson, su voz y su guitarra las transformaban en algo completamente original. Blind Willie Johnson estuvo dentro de los artistas más vendedores de su época pero la depresión económica acabó con su carrera. De acuerdo con varios de los participantes en “God Don’t Never Change: The Songs Of Blind Willie Johnson”, la música de Johnson tocó a todo el mundo pues tenía un sonido muy honesto, tan terrenal que al escucharla actualmente suena moderna pues habla de la condición humana y de la firmeza ante esta situación. Ha viajado por el tiempo con la misma intensidad que el mismo momento en que fue entregada a quienes la escucharon en la esquina de alguna calle en Texas. En “God Don’t Never Change: The Songs Of Blind Willie Johnson” cada uno de los artistas suena como si hubiera nacido con el mensaje y la palabra de Johnson. El trabajo colectivo va más allá de un álbum tributo pues las interpretaciones son una afirmación de la fe tan profunda como el alma de un hombre, con un mensaje eterno que tal vez ya esté siendo escuchado en el extremo más oscuro y frío del universo.

“Blues & Ballads”, nuevo trabajo de Luther Dickinson, líder de North Mississippi Allstars, es una colección muy íntima que muestra la relación del artista con la música, las canciones, la palabra escrita y su legado. Los temas son grabados en vivo, en algunos está Dickinson solo en otras está acompañado por algunos amigos, rindiendo homenaje a la tradición oral del blues y el folk, no solo en la forma de trasmitirse y pasar a la grabación sino también en su evolución hacia la transcripción en partitura. Cada canción cuenta una historia acerca del crecimiento del campo en el sur de Estados Unidos, pasando por los primeros ecos del rock en Memphis, los gigantes del blues y los guerreros del Hill Country Blues, en un lenguaje que esta cerca de la extinción pues eran épocas en que las comunidades utilizaban su voz, la experiencia, los libros y los discos para comunicarse. Este es un motivo por el que el cuadernillo del disco trae los manuscritos de las letras, representando todo ese proceso creative, representando un sueño hecho realidad pues básicamente lo que está transcrito en ese libro es la vida de Luther Dickinson, un representante de la cultura musical subterránea de Memphis, un arte que está dirigido a pocos pues está destinado a marchitarse y desaparecer, para luego resurgir de las cenizas una y otra vez, evolucionando y mutando.

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